Autore: Amministratore

  • Mostra “INHABITED DESERTS”, John R. Pepper

    John R. Pepper
    INHABITED DESERTS

    Da: Maria Luisa Migliardi – Euro Forum 

    Uno spettacolare viaggio fotografico nei più remoti deserti del mondo | Completa la mostra la conversazione Il confine assente: conflitti e nuove armonie

    Curatori: Gianluca Marziani | Kirill Petrin

    Todi dal 3 ottobre al 28 novembre 2020
    Museo civico e Pinacoteca – Piazza del Popolo, 29/30 Complesso del “Nido dell’Aquila”- Via Paolo Rolli, 12

    Preview stampa, inaugurazione, venerdì 2 ottobre 2020

    LA MOSTRA
    Lo splendido scenario del centro storico di Todi ospiterà, dal 3 ottobre prossimo, la mostra fotografica di John R. Pepper dal titolo “Inhabited Deserts”, realizzata dal Comune di Todi con il fondamentale contributo della Fondazione Cultura e Arte, emanazione della Fondazione Terzo Pilastro – Internazionale presieduta dal Prof. Avv. Emmanuele F. M. Emanuele, ed in collaborazione con l’Ambasciata degli Stati Uniti d’America in Italia. La mostra è curata da Gianluca Marziani, co-curatore Kirill Petrin.

    In 53 immagini analogiche della sua Leica M6, senza artifici, nel bianco e nero dei grandi reporter, John R. Pepper, fotografo e artista a tutto tondo, ci narra il suo viaggio durato tre anni tra i più remoti deserti del Globo. “I deserti hanno sempre affascinato i fotografi” – dice John R. Pepper – “La ragione che spesso li porta lì è catturare la bellezza del paesaggio. Una bella sfida, ma non era quello che cercavo: io volevo andare oltre. La mia idea, il mio intento, è stato usare il deserto come il pittore sfrutta la verginità di una tela bianca. Ho cercato di scoprire quali immagini si offrivano al mio sguardo – a volte erano visioni figurative, altre volte astratte e la simbiosi tra il paesaggio che avevo davanti e le immagini sepolte dentro di me. Alla fine di questa ricerca subliminale, la mia fotografia, la mia “tela”, si fa espressione del mio essere profondo, delle mie percezioni di artista”.

    Tre anni, 18.000 chilometri percorsi nei deserti di Dubai, Egitto, Iran, Israele, Mauritania, Oman, Russia e Stati Uniti, hanno permesso a Pepper di scoprire luoghi suggestivi che esprimono complessità e diversità emotive oltre che geografiche. Un viaggio soprattutto interiore che emerge dai silenzi delle immagini e palesa la scoperta di quanto questi accomunino l’umanità in incontri intensi e profondi.

    Il curatore della mostra Gianluca Marziani annota: “Pepper sfugge alle arguzie da software digitale, evitando il maquillage d’artificio e sposando il tema analogico in maniera sensibile. Modula le scale dei grigi con rabdomantica nitidezza, profilando le dune come fossero lame, sezionando i contrasti con ambivalenze semantiche, intuendo l’istante in cui il sole disegna senza sbavature”.

    Osserva il co-curatore della mostra Kirill Petrin: “Seguire John Pepper in questa avventura permette di scoprire anche un paio di cose su se stessi. Persino alcune delle sue leggendarie guide nel deserto, uomini che hanno passato in quei luoghi tutta la vita e li conoscono da cima a fondo, ammettono di non aver mai visto i loro deserti sotto questa luce. Queste fotografie, paradossalmente, non riportano ai luoghi effettivi in cui sono state scattate. Conducono altrove, in un luogo nuovo in cui far abitare la mente e l’immaginazione”.

    Dice il Sindaco di Todi, Avv. Antonino Ruggiano: “Siamo orgogliosi di ospitare nella nostra città la mostra personale di John R. Pepper. Le sue fotografie, oltre a sorprendere e sedurre lo spettatore, offrono la possibilità di essere trasportati in luoghi mistici: i deserti del mondo, tutti apparentemente uguali e inospitali ma che in realtà svelano millenni di storia e di vita di popoli diversi”.

    Commenta infine il Prof. Avv. Emmanuele F. M. Emanuele: “Il mio sincero apprezzamento per il talento di John R. Pepper risale al 2016, anno in cui la Fondazione Terzo Pilastro, su mio impulso, ha ospitato nelle sale del Museo di Palazzo Cipolla la sua personale Evaporations. Con questo nuovo ambizioso progetto, che ha comportato tre anni di lavoro e l’attraversamento di gran parte del globo, Pepper riesce a restituirci un’immagine del nostro pianeta che evoca il miracolo della Creazione, un ritorno all’ ‘Anno Zero’ da cui tutto prese avvio, in cui il vuoto solo apparente che traspare da ogni immagine si riempie di contenuti tangibili: uno su tutti, la necessità di fermarsi ad ascoltare la propria coscienza, per ristabilire infine una ritrovata armonia tra l’Uomo e la Natura”.

    Il percorso espositivo sarà accompagnato da video che condividono l’avventuroso backstage per cogliere quell’attimo fermato dallo scatto, oltre a interviste con le guide e i personaggi incontrati.

    Testimonia la mostra un prezioso libro-catalogo con le introduzioni del Sindaco di Todi Avv. Antonino Ruggiano e del Presidente della Fondazione Terzo Pilastro-Internazionale Prof. Avv. Emmanuele F. M. Emanuele, i testi critici di Gianluca Marziani e Kirill Petrin e un commento di John R. Pepper.

    Il 2 ottobre prossimo, in occasione della preview della mostra, avrà luogo la conversazione internazionale:

    Il confine assente: conflitti e nuove armonie

    Modera Duilio Giammaria e interverranno

    MAX CALDERAN, numero uno degli esploratori dei deserti estremi, detentore di 13 record mondiali.

    GIANCARLO ESPOSITO, il famoso Gus Fring delle serie cult Breaking Bad e Better Call Saul e dei film di Spike Lee.

    SHEIKH AHMED MOHAMMED AL-JEBALI, sceicco della tribù Jabaleya, tribù responsabile della sicurezza del monastero di Santa Caterina nel Sud-Sinai dal 565 d.C.

    AVNER GORAN, archeologo di fama mondiale, rappresentante israeliano per la Abraham Path Initiative.

    MEHRDAD GHAZVINIAN, il maggior esperto di deserti iraniani. Conosciuto come Desert Fox.

    Avv. ANTONINO RUGGIANO, Sindaco di Todi.

    Prof. Avv. EMMANUELE F. M. EMANUELE, Presidente Fondazione Terzo Pilastro-Internazionale.

    RODNEY FORD, Ministro della Cultura dell’Ambasciata degli Stati Uniti in Italia.

    GIANLUCA MARZIANI, curatore della mostra.

    KIRILL PETRIN, co-curatore della mostra.

    JOHN R. PEPPER.

    Al centro del dibattito, la consapevolezza che solo nel deserto esiste lo spazio transnazionale del dialogo, una specie di terra comune in cui ridurre i conflitti mentre si affrontano crisi finanziarie, epidemie, disastri naturali e tensioni geopolitiche. Se l’umanità avrà un nuovo domani si dovrà ripartire dall’immagine simbolica di un deserto, da una dottrina che ridefinisca il peso del denaro e la sua distribuzione planetaria.

    INFORMAZIONI 075.8956227

    La mostra Inhabited Desert resterà aperta al pubblico fino a sabato 28 novembre 2020

    Museo civico e Pinacoteca di Todi – Piazza del Popolo, 29/30 – Todi (PG)
    Complesso del “Nido dell’Aquila” – Todi – Via Paolo Rolli, 12 –Todi (PG)

    Durata e Orari
    Dal 3 ottobre al 28 novembre 2020
    Dal martedì alla domenica: 10-13 >> 15 -19 – Lunedì chiuso – Ingresso libero

    BIOGRAFIE

    JOHN R. PEPPER vive tra Palermo, Parigi e New York. La sua carriera nel mondo della fotografia analogica in bianco e nero inizia all’età di 14 anni con un praticantato a fianco di Ugo Mulas; nello stesso anno pubblica la sua prima fotografia nella rivista Newsweek. Pepper lavora con la LeicaM6 e pellicola “Ilford HP5”, stampando su carta Baritata ai sali d’argento. Le fotografie di John R. Pepper sono presenti in collezioni private e musei nel mondo. La mostra “Inhabited Deserts” arriva a Todi dopo aver debuttato a Parigi e compiuto un ciclo espositivo che ha già toccato Teheran, Tel Aviv, Dubai e San Pietroburgo; nel 2021 la mostra approderà in diverse città d’Europa e Stati Uniti.
    Instagram: @johnpepper – www.johnrpepper.com – Wikipedia: https://en.wikipedia.org/wiki/John_Randolph_Pepper

    GIANLUCA MARZIANI, è il curatore della mostra. Critico d’arte, è stato direttore artistico di Palazzo Collicola Arti Visive a Spoleto dal 2009 al 2019 e curatore del Premio Terna e del premio Celeste. Dal 2010 al 2018 ha curato il programma artistico del Festival dei Due Mondi. Autore di numerose mostre e cataloghi d’arte, ha scritto per La Stampa, Specchio, Panorama, Style e molte altre riviste. Oggi ha una rubrica su Dagospia intitolata “Un Marziani a Roma”. Ha curato mostre su Banksy, Obey, Keith Haring e altri fenomeni artistici planetari. È vicino al mondo della Street Culture e ad altre tendenze rilevanti.

    KIRILL PETRIN, co-curatore, collezionista, storico d’arte ed esperto internazionale di marketing. La sua collezione della Scuola di Vladimir è unica per qualità e ampiezza. Petrin specialista della pittura russa, racconta la storia della Russia attraverso i pittori e le loro opere. Ha pubblicato più di 400 articoli su artisti internazionali in www.artrussia.org .
    È maestro nel condurre il lettore ad affinare la propria abilità a non ‘guardare’ l’arte ma a ‘vedere’ l’arte.
    Lavora con Pepper su INHABITED DESERTS dal 2015.

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    RELATORI DELLA CONVERSAZIONE “IL CONFINE ASSENTE”

    MAX CALDERAN, esploratore desertico estremo. Dirigente d’azienda e atleta poliedrico detiene 13 record mondiali. Rai Sport ha realizzato il documentario, Beyond the Limits, sulle sue imprese; Al Jazeera World ha prodotto il cortometraggio Son of the Desert sui suoi exploit. Nel 2020 è il primo uomo a percorrere a piedi, in solitario, i 1.100 km del deserto di sabbia più grande del mondo, il Rub’ al-Khali Desert (Empty Quarter), in Arabia Saudita. The Calderan line comparirà sulle mappe e nei libri di storia e geografia.

    GIANCARLO ESPOSITO, quattro nomination per gli Emmy Award, diverse nomination al OBIE e una stella sull’ Hollywood Boulevard… Attore cult per la sua magistrale interpretazione di ‘Gus’ Fring” nella serie Breaking Bad. Fece il suo debutto a Broadway, nel 1966, a otto anni. I suoi primi ruoli al cinema: The Cotton Club e Desperately Seeking Susan. È stato diretto da Spike Lee in Do the Right Thing, Mo’ Better Blues, School Daze e Malcolm X. Tra serie TV più famose Revolution, Breaking Bad, Better Call Saul, Godfather of Harlem, The Mandalorian, Creepshow, Westworld etc.

    SHEIKH AHMED MOHAMMED AL-JEBALI, sceicco della tribù Jabaleya, del Sud-Sinai, responsabile della sicurezza del monastero di Santa Caterina dall’anno 565 d.c., un convinto progressista; ha abolito la tradizione di “Sceicco a vita”, ha bandito i matrimoni con ‘mogli bambine’ e le mutilazioni genitali femminili. Ha permesso alle donne di lavorare, prima nelle loro case poi in una azienda appositamente creata nel monastero di Santa Caterina. È cresciuto per 18 anni sotto l’occupazione israeliana giocando con i figli di Avner/Abunar Goran’s.

    MEHRDAD GHAZVINIAN, noto anche come “Desert Fox” o, anche, “Il Padre del Deserto Iraniano”, è uno dei più importanti esploratori di deserti nel mondo ed è riconosciuto come il maggior esperto di deserti iraniani e in particolare dello spietato Dasht-E-Lut. Il suo lavoro cartografico viene utilizzato dagli esploratori di tutto il mondo. Ama sciare sulle dune di 600mt del Lut o sorvolarle con paramotore.
    AVNER GORAN, archeologo di fama mondiale, con il suo team ha scoperto la civiltà di Nawamis, gli antenati dei beduini, presente nella penisola del Sinai dal 4° millennio a.c., ha studiato l’Arabo ed è stato “adottato” dalle tribù beduine. Dopo 18 anni di occupazione, ha supervisionato il trasferimento in Egitto di tutti i reperti archeologici trovati nel Sinai durante l’occupazione militare israeliana. Vive a Gerusalemme, dove è il rappresentante israeliano per la Abraham Path Initiative, che ha l’obiettivo di unire le persone la cui fede si ispira ai tre principali libri sacri (Bibbia, Tōrāh, Corano).

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  • MIA Photo Fair 2019

    MIA Photo Fair 2019

    Quest’anno mi sono recato a visitare il MIA Photo Fair, ma anche questa volta la delusione è stata grande.

    Tralasciando i soliti mostri sacri della fotografia, con le loro fotografie ormai viste e straviste sulle quali non mi esprimo, sono stato colpito dalla massa di fotografie banali che ho avuto modo di visionare.

    Soprattutto paesaggi e architetture appartenenti alla serie del “poster” da camera dei ragazzi.

    Da questa massa informe di mediocrità anonima, solo due autori, a mio parere, meritano attenzione.

    Quasi nascosto in un recesso proprio all’inizio delle esposizioni, sono stato folgorato dalle fotografie di Ştefan Bădulescu.

    Autore rumeno, conosciuto dai critici, ma sconosciuto al grande pubblico, propone lavori concettuali di rilevante fattura estetica e profonda connotazione.

    In un passo di una intervista egli definisce così il suo lavoro:

    “Le mie opere trasformano la realtà immediata utilizzando la fotografia digitale, trasformandola in un regno surreale pieno di simboli, miti e significati che non danno alla “semplice” fotografia un nuovo modo ben accolto per diventare un linguaggio visivo diverso. Mi interessano anche le aree che a prima vista mancano di contenuti estetici rilevanti e la possibilità di conferire loro un’aura di raffinatezza visiva.”

    Con la sua serie Neo Geometry egli raggiunge un elevato grado connotativo, mescolando elementi grafici, apparentemente insignificanti e misterici a immagini che possono sembrare banali all’osservatore superficiale, ma al contrario ricche di simbolismi.

    Nell’immagine, piccola, sottostante egli pone, quasi come in un’icona, un frammento dell’immagine sovrastante e questo mi ricorda la famosa fotografia surrealista di Dalì, in cui il “rocchetto” era il vero punctum dell’autore, analogamente egli sottopone alla nostra attenzione quello che dovrebbe essere la chiave di lettura iconica.

    Lavoro molto intellettuale, che fa piacere osservare con attenzione e che si presta a molte chiavi di lettura mettendo a dura prova il background culturale del fruitore.

    Un altro autore che mi ha colpito è Mario Kukki, lo conosco bene e il suo nuovo lavoro, che ha presentato quest’anno al MIA, ha particolarmente colpito la mia attenzione per l’originalità e la connotazione delle sue opere.

    Egli si è buttato a capofitto sul tema dell’ecologia e, nello specifico, ha sottolineato il problema del buco nell’ozono.

    Per realizzare le sue fotografie ha utilizzato proprio i tappi dei vari spray contenenti CFC, bucandoli con una fiamma e fotografando, attraverso il foro delle piante.

    Il risultato è interessante perché attorno ai soggetti si crea una deformazione che richiama appunto il buco dell’ozono e nello stesso tempo riporta alla mente dell’osservatore l’effetto dannoso che questo esercita sulla natura, che risulta deformata e violentata.

    Le sue fotografie, pur in un’accezione naive, trasmettono molto bene il messaggio e sottintendono una ricerca scrupolosa e di impatto sia visuale che concettuale.

    Il fruitore riesce con facilità a decodificare il messaggio e ad apprezzarne il valore e la fatica.

  • LA FOTOGRAFIA “ONIRICA”

    LA FOTOGRAFIA “ONIRICA”

    Molte sono le fotografie che vogliono rappresentare situazioni di tipo onirico e tutte seguono cliché piuttosto ripetitivi.

    In queste fotografie sembra che il mosso e lo sfuocato debbano essere la sintassi obbligatoria, ma è così?

    La fotografia che si rifà all’esperienza onirica trova le sue radici nel surrealismo, movimento artistico sviluppatosi nei primi del novecento con André Breton, neuropsichiatra con simpatie freudiane, il quale, riguardo al surrealismo, affermava:

     

    “…Automatismo psichico puro che riflette il vero funzionamento del pensiero, in assenza di qualsiasi motivazione o preoccupazione morale o estetica.”

     

    Caposaldo del credo surrealista era il “l’automatismo psichico” come la libera associazione di idee, senza censure, come si verifica nel sogno durante la fase REM del sonno.

    Se andiamo a esaminare le fotografie dei grandi fotografi surrealisti come Rodney Smith[1]o dei contemporanei come Misha Gordin[2], ci accorgiamo immediatamente che la fotografia surrealista e onirica, nulla ha a che spartire con effetti riconducibili al mosso o allo sfuocato.

    Le loro fotografie esprimono situazioni oniriche ben costruite in laboratorio, con i soggetti perfettamente a fuoco e senza alcun mosso.

    Quello che le rende uniche e vera espressione artistica è il contenuto concettuale che sta dentro e dietro di esse.

    Nulla è lasciato al caso.

    Sfortunatamente oggi ci vengono propinate fotografie spacciate come oniriche o surreali o concettuali, tutte rivolte a presentare in modi diversi, ma unificati sempre gli stessi ingredienti semantici: persona intera o arti in atteggiamenti stereotipati o ancora oggetti tra i più disparati, tutti ripresi con la stessa tecnica di illuminazione e la stessa sintassi fotografica.

    Quello che ancor più mi angustia è che spesso gli autori continuano a produrre ossessivamente la stessa fotografia con ingredienti diversi, divenendo così degli stucchevoli e noiosi deja vu.

    Quindi, amici dell’onirico, provate ad andare oltre il banale, create nuovi linguaggi, nuovi concetti, e nuove sintassi, così da trasformare il banale in “arte”.

  • AGOSTO IN ABRUZZO

    AGOSTO IN ABRUZZO

    Mostra fotografica con 5 fotografi abruzzesi a Penne (Pe) da wowogallery in Via Castiglione.

    Dal 12 Agosto al 23 Settembre 2017

    Fabiana di Pasquale

    Luca di Giovanni

    Germano Capponi

    Lorenzo Giorgi

    Leo Perdini 

    Cinque fotografi per un omaggio all’Abruzzo. Non c’è pretesa di esaustività, solo le differenti sensibilità degli artisti a differenziare le immagini e le prospettive. E’ un invito a scoprire, esplorare e curiosare il nostro territorio ricco di contraddizioni ma prodigo di emozioni.

    A tribute to Abruzzo with five photographers  . There is no presumption of exhaustiveness, only the different artists sensitivity  to distinguish the Images and  the perspectives. It is an invitation to discover, explore, and browse our territory rich in contradictions but lavish with emotions.

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  • CULTURA E FOTOGRAFIA: MATRIMONIO O DIVORZIO?

    CULTURA E FOTOGRAFIA: MATRIMONIO O DIVORZIO?

     Come amante della fotografia mi sarebbe piaciuto moltissimo vivere i grandi fermenti della prima metà del ‘900.

    Allora tra fotografi, pittori, scultori, scrittori, filosofi e poeti vi era un mirabile interscambio culturale.

    Parigi, Londra e New York erano il triangolo d’oro della cultura, i grandi movimenti intellettuali sono stati partoriti in queste città, in costante gara a produrre idee e innovazioni che hanno lasciato segni indelebili nel mondo dell’arte.

    I fotografi di allora si trovavano in locali non proprio snob, a discutere con gli altri artisti e ne assimilavano le idee, le emozioni e le conoscenze.

    Spesso il fotografo era anche pittore, scrittore o altro e questo amplificava il background culturale in cui egli assorbiva le novità e le nuove modalità espressive. Ma attenzione, non certo le “mode”, che anzi erano viste come mortificazione della cultura.

    Il nuovo era veramente innovazione, le idee erano frutto di profonde riflessioni intellettuali e interculturali.

    Quindi la cultura è veramente necessaria per produrre innovazione, idee e, soprattutto arte.

    Il fotografo, anche oggi, non può prescindere dalla cultura, altrimenti rischia solo di produrre mediocrità o di scimmiottare le mode del momento.

    Purtroppo, se mi guardo intorno, assisto più al divorzio, che al matrimonio tra cultura e fotografia.

    Al di là del riprendere i soliti discorsi sulla mediocrità del web e la proliferazione di immagini, devo purtroppo prendere atto che anche molti autori contemporanei di successo dimostrano una carenza di idee costruttive e innovative veramente preoccupante.

    Oggi moltissimi sono legati alla soddisfazione del proprio successo, alla produzione di immagini che appaghino l’occhio, ma vuote nel contenuto: e questo è male.

    L’interscambio intellettuale tra i protagonisti dell’arte è relegato solo ad alcuni santuari impenetrabili o a carbonari della cultura, il fotoamatore “evoluto” al massimo frequenta un circolo fotografico, spesso chiuso e ristretto a pochi iniziati, non si cerca mai un dialogo con altri protagonisti delle arti affini o della filosofia, ci si chiude nel proprio tabernacolo e finita lì.

    In pratica è in atto un vero divorzio tra cultura e fotografia, testimoniato dalla mediocrità che ci scorre quotidianamente sotto gli occhi.

    Non a caso molte mostre, o pubblicazioni sono rivolte a esporre o pubblicare opere dei vecchi mostri sacri, ormai triti e ritriti.

    Pochissime sono le mostre dedicate agli autori contemporanei apportatori di vero ingegno culturale, probabilmente per il fatto che pochi sono in grado di leggere e apprezzare le loro opere e i galleristi, che sono anche loro corresponsabili di questo divorzio, preferiscono orientarsi su autori molto più commerciali.

    Non faccio a loro una colpa, certamente non lo fanno per ignoranza, ma per esigenze di bilancio, però sono certo che potrebbero osare di più.

    Credo, invece, che la maggior parte delle responsabilità ricada sui critici, che spesso preferiscono seguire l’onda delle mode e preferiscono osannare l’ovvio e ignorare l’autore impegnato.

    Non è che per caso anche loro hanno divorziato dalla cultura?

    No, non credo, ma sono convinto che anche loro siano molto sensibili al vile denaro e che quindi annusino subito l’autore che avrà le maggiori chance di successo popolare, a scapito di quello, magari molto più bravo e preparato, ma che presenta opere di difficile interpretabilità, cioè opere consone a un pubblico colto e raffinato: oggi una vera rarità.

  • I FOTOGRAFI AFRICANI: ANDREW ESIEBO

    L’Africa, questo continente così immenso e variegato, è attualmente agli onori della cronaca per continui e dolorosi episodi di violenza e di migrazione incontrollata.

    Mentre una volta era portato menzionato per le tragedie umane legate alla fame, alla sete e alle malattie che hanno portato al decesso di milioni di innocenti, oggi è alla ribalta per le violenze e i conflitti continui tra gli stati e negli stati. Conflitti che all’apparenza hanno una base religiosa, ma che in realtà sottintendono interessi economici delle nazioni occidentali per accaparrarsi le ricchezze minerarie e il petrolio, ai i cui fini gestiscono in modo spregiudicato i conflitti religiosi e tribali onde ottenere il controllo della ricchezza di questo o di quel paese.

    Andrew Esiebo è un giovane fotografo Nigeriano nato a Lagos. [il suo sito web]

    Andrew Esiebo ha iniziato a fotografare documentando il rapido sviluppo urbano della Nigeria, nonché la ricca cultura e il patrimonio del paese.

    Con il suo lavoro ha cominciato a ottenere vari riconoscimenti internazionali, iniziando ad esplorare nuovi territori creativi, integrando la pratica multimediale con l’inchiesta di temi come la sessualità, la politica, il calcio, la cultura popolare, la migrazione, la religione e la spiritualità.

    I suoi lavoro sono stati esposto alle Biennali di Sao Paulo in Brasile, Dakart, Dakar, Senegal, Biennale Cuvee, Linz in Austria, biennali Foto Quai, Parigi in Francia, Guangzhou Triennale, Beijingin la Cina, il Chobi Mela V Photo Festival in Bangladesh, Noorderlitch Photo Festival in Olanda, Bamako africano Fotografia Incontri Bamako in Mali e Lagos Photo Festival, Lagos in Nigeria, tra gli altri.

    Egli è il vincitore del premio Musée du Quai Branly per la creatività artistica nel 2011.

    Andrew sono stati assegnati un certo numero di riconoscimenti artistici di Institut Franicais (ex Cultures France) Visa Pour Creazione, Parigi, programma oltre l’Africa, Gasworks, Londra, Gyeonggi Centro di Creazione, Corea del Sud e alla Bag Art factory residenza Johannesburg, Sud Africa.

    Nel 2010, è stato selezionato per “Road to twenty ten project” per formare un Dream Team All-Africa di 16 giornalisti / fotografi per produrre storie alternative sulla Coppa del Mondo in Sud Africa.

    La sua attenzione al sociale lo ha visto lavorare per diverse istituzioni locali e internazionali, tra cui The Kings College di Londra, Università di Padova, Italia, The Photographers Gallery, London, Azione Aids, OMS, UNICEF, donne per le donne, MSH Nigeria e molti altri.

    I suoi lavori sono stati pubblicati su libri, riviste e siti web come New York Times, Courrier International, Le Point, Financial Times, guardian.co.uk, Marie Claire Italia, Time Out Nigeria, Mail & Guardian online, Bloomberg, Laia Libri, Geo-Lino, KIT, CNN, Al Jazeera e la rivista African style magazine Arise.

    La fotografia di Andrew è una fotografia che penetra profondamente nel cuore dell’Africa e del suo paese.

    Con le sue fotografie egli mette a nudo molte problematiche scottanti della Nigeria e le affronta senza veli o compromessi, in modo diretto ed estremamente efficace, prendendo anche posizioni molto chiare in campo politico e sociale.

    I suoi reportage ci svelano situazioni limite, come le condizioni degli omosessuali costretti a nascondersi in quanto in Nigeria la omosessualità, oltre ad essere condannata a livello sociale, è anche un reato penale, ma Andrew ce li mostra liberi e sereni. I loro volti sono sorridenti e mai preoccupati, nei loro occhi si legge la consapevolezza di vivere una condizione di emarginazione, ma con la fierezza di condurre una vita normale.

    La religione viene affrontata nelle sue immagini, come una forma di fanatismo, perché si regge sul soddisfacimento delle paure del popolo, che chiede sostanzialmente sicurezza economica oltre a esorcizzare la morte e le malattie. I vari gruppi religiosi, sfruttano queste paure e propongono come i risolutori indiscussi e indiscutibili alle loro richieste di certezze. Inoltre pur apparentemente indipendenti dal potere politico, ne sono in realtà i manipolari occulti, collocandosi come sponsor di questa o quella frazione politica.

    [image_lightbox title=”God is Alive” full_img_url=”http://www.fotocultura.eu/blogw/wp-content/uploads/2017/02/gal001.jpg”]

    God is at the heart of life in Nigeria. Religious spaces are found in every nook and cranny in the country.A current wave has is the Pentecostal / Evangelical movements which is believe to be originated from the America. Big gathering often called crusade are organized across the country where huge crowd coming to ignite their faiths and seek spiritual solution to their various social and spiritual problems.These gathering are characterized essentially with praises, praying, trance and an opportunity to boost its finances.God is Alive series examines the dynamic, codes, excessiveness being professed during various Pentecostal gatherings.
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    [image_lightbox title=”Na God021″ full_img_url=”http://www.fotocultura.eu/blogw/wp-content/uploads/2017/02/Na-God021.jpg”]

    During the monthly Prayer service called “Holy Ghost Night” of Mountain of Fire and Miracle Ministries, pastors knelt down to seek forgiveness and prayers from their leader after they controversially left the church.
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    Il suo interesse per il football come sport espressione di convivenza sociale e di momento di formazione e maturazione dei giovani, gli ha ispirato un reportage dove egli denuncia le carenze di adeguate strutture per i giovani, che in città come la sua caratterizzata da una cementificazione selvaggia, li ha costretti a ritagliarsi angoli pericolosi e deprimenti dove poter giocare. Molto forte ed emblematica questa sua fotografia, in cui l’oppressiva e triste incombenza del ponte contrasta con il desiderio di gioia e spensieratezza dei ragazzi, che sanno socializzare facilmente anche in un tale squallore.

    [image_lightbox title=”love of it” full_img_url=”http://www.fotocultura.eu/blogw/wp-content/uploads/2017/02/love-of-it002.jpg”]

    Under Third Mainland bridge, Lagos.
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    L’intervista

    1. Dunque, Andrew, come descriveresti la situazione dell’Africa e della Nigeria oggi?
      La nostra società è multiculturale, con classi sociali diverse, diverse mentalità e quindi molto complessa, con tante anime al suo interno tali da creare situazioni di crisi. La crisi economica con la conseguente deflazione hanno acuito i problemi mettendo in crisi anche la convivenza. In questa situazione tutto è incerto in quanto siamo attraversati anche da crisi legate alla situazione del nord e del sud del paese, alla crisi politica e militare. Ogni evoluzione è possibile. Molti si stanno adoperando per superare questi problemi. Anche l’educazione dei giovani va rivista e riformata per migliorare la coesione e la convivenza civile.
    1. Nonostante tu sia nato lì, quali difficoltà hai incontrato e incontri nello svolgere il tuo lavoro?
      Beh, all’inizio soprattutto, quando mi sono dedicato al reportage sociale, non esisteva qui da noi una mentalità che considerasse questo genere vera fotografia. Erano tutti proiettati sulla fashion photography o sulla fotografia di matrimonio. All’inizio la gente non capiva perché andassi a fotografare le persone per le strade ed erano molto diffidenti, poi la mentalità è cambiata e per me è un mezzo per fare molte amicizie. Io all’inizio consideravo la fotografia solo un hobby e mi documentavo attraverso internet, che poi mi ha consentito anche di farmi conoscere all’estero e di trasformare il mio hobby in un vero e proprio lavoro.
    1. Ho trovato molto interessante il tuo reportage sulla omosessualità in Nigeria, so che viene considerata un reato grave sia dal punto di vista della legge che anche della mentalità, come ti è venuta l’idea di questo lavoro?
      Sono approdato al questo tema per una mia curiosità e perché alcuni amici mi hanno confidato questo loro stato. Inizialmente mi ha incuriosito anche il fatto che girando in internet ho potuto constatare come nei paesi occidentali e in particolare negli USA, quello degli omosessuali era un tema affrontato senza alcun problema e con semplicità, mentre in Africa è un vero tabù. Parlando con alcuni amici che si sono dichiarati omosessuali, anzi transessuali, ho voluto affrontare il tema con un lavoro fotografico cercando di capire i motivi della loro condizione e portando alla luce i loro problemi cercando di infrangere questo tabù.
    1. La cultura religiosa in Nigeria è portata avanti da gruppi di derivazione tipicamente Americana, di provenienza statunitense, nelle tue fotografie sembri sottolineare la costante presenza di un fanatismo, più che di un vero e serio background religioso, il cui fine sembra quello di soddisfare solo una richiesta di miracoli o di una specie di oppio del popolo, dove esiste solo lo scopo di dare alla gente una via di sfogo alle sue ansie e paure. Pensi sia così?
      I nigeriani sono molto religiosi, anche se bisogna intendersi sul termine religione. Tuttavia l’ansia del futuro porta a ricercare una religione che dia certezze e gruppi come i Pentecostali, i Protestanti, gli Avventisti, sono cresciuti rapidamente soprattutto negli ultimi anni, proponendosi come la soluzione. Queste istituzioni religiose sono quelle che propongono vie d’uscita alla paura della sicurezza soprattutto economica della gente, inoltre sono anche indipendenti dallo stato e questo rappresenta un ulteriore punto di forza, in quanto facilitano la realizzazione delle aspirazioni del popolo. Essi si propongono come delle sicurezze che lo stato non può dare. In questo modo la gente cerca le sue certezze in queste organizzazioni indipendenti dallo stato, che riescono a dare loro quello che cercano. La loro influenza è molto rilevante tanto che essi sono il tramite attraverso il quale i politici chiedono il consenso ed influenzano le masse.
    2. I giovani e lo sport, anche questo tuo reportage mi ha particolarmente colpito. Uno sport, quello del calcio, che accomuna un po’ tutto il mondo, ma soprattutto è un momento di svago e di socializzazione dei ragazzi. Con le tue immagini ci porti nelle periferie dove, come dici tu, tutto diventa giungla di cemento e nessuno pensa a dare loro degli spazi adeguati e attrezzati. Anche qui trovo molto eloquenti le tue fotografie dove lo spazio immenso, ma contemporaneamente opprimente di un ponte stradale, si contrappone alla gioia del gioco e dello stare insieme, ci vuoi trasmettere una nota di speranza e di fiducia nelle nuove generazioni?
      Questo mio reportage ha preso ispirazione dall’osservazione che il football è uno sport con grandi capacità di aggregazione sociale. Inoltre ho notato come la carenza di spazi adeguati, soprattutto per i ragazzi, li costringe a giocare in luoghi pericolosi e inadeguati. Io volevo stimolare lo stato a provvedere strutture dove i ragazzi possano non solo giocare, ma anche crescere bene. Questo è soprattutto vero in città come la mia dove la crescita selvaggia degli edifici e della cementificazione ha tolto progressivamente spazi per il gioco. Mi piacerebbe che i politici si rendessero conto di questo e comprendessero l’importanza sociale e culturale di luoghi dedicati a questo sport così popolare e socializzante, ma anche fondamentale per la crescita dei giovani.
    3. Come vedi il futuro della tua nazione?
      Credo che in ogni nazione la più grande risorsa sia il popolo. Noi abbiamo tanta gente brava e intelligente e lo scopo principale della politica dovrebbe essere quello di mettere tutti insieme, di migliorare le condizioni sociali e di diffondere la cultura e le risorse tecnologiche, per migliorare la vita, la salute e creare lavoro, soprattutto nell’ottica delle nuove generazioni. Un altro aspetto è di ridurre lo spreco, soprattutto degli alimenti, che nella mia nazione è particolarmente elevato, in modo da recuperare il cibo sprecato e utilizzarlo per i meno abbienti. La Nigeria ha buoni leader e un ottimo popolo. Se la dirigenza statale potesse realizzare tutto ciò, la Nigeria sarebbe uno dei migliori stati dell’Africa.
    4. Quale è la tua fotografia che ami di più?
      Io amo molto incontrare la gente, il tipo di fotografia che faccio mi dà la soddisfazione di incontrare molte persone e di diventare loro amico. Comunque quelle sul football sono tra quelle che amo di più. Tuttavia quelle che ho veramente nel cuore sono le immagini che mi hanno dato l’occasione di incontrare gente e di instaurare con loro rapporti di sincera amicizia.

     

             Andrew Esiebo, Lagos 15 febbraio 2017

  • QUATTRO CHIACCHIERE SUL BIANCO & NERO

     

    Parlare del Bianco & Nero [B&W] oggi, nell’era del digitale, sembra un discorso senza senso.

    Quotidianamente centinaia d’immagini a colori riempiono i nostri sguardi e ci attraggono come le sirene di Ulisse.

    Certo il mondo della fotografia a colori ci propone soluzioni visive più alla portata dell’esperienza di ogni giorno, mentre il B&W porta avanti delle immagini che vanno elaborate sensorialmente e ci costringono a un atto meditativo, riflessivo.

    In una parola non sono la sorgente di un’emozione immediata.

    Essa va ricercata, assaporata lentamente, un po’ come per un sommelier degustare un vino pregiato.

    Oggi scattare una fotografia spesso significa mettere in atto un comportamento compulsivo così come è descritto molto bene dallo psicanalista Carlo Riggi nel suo libro “L’esuberanza dell’ombra”:

     “Ai fotografi di oggi viene naturale disinteressarsi del tutto della scena per andare a compulsare l’esito di ogni scatto sul monitor della digitale – Fanno come le mamme che cominciano a prenotare le ecografie fin dal primo mese di gravidanza: ma, ditemi, quando lo concepiscono …il bambino …se lo vedono subito?!

    Il reale irrompe, satura l’immaginazione e costituisce una barriera protettiva contro l’esperienza emotiva. Il dato esterno, oggettivato dall’immagine sul monitor, si sovrappone all’emozione che dovrebbe evocare, annullandola. Il compulsare il risultato dopo lo scatto digitale è un continuo rompere la tensione, uscire dalla situazione, sostituire una definizione a un’emozione.”

     

    Chi ama il linguaggio del B&W non si lascia prendere la mano da queste frenesie, direi quasi psicologicamente iconoclaste, ma segue una sua progettualità, perviene ad un suo stile personale, senza rincorrere le mode del momento, non salta con incosciente indifferenza dalla fotografia del paesaggio al ritratto o alla foto di architettura.

    Egli limita il suo campo espressivo e artistico a quello che meglio rappresenta la sua interiorità.

    Grazie al cielo oggi è ancora facile reperire pellicole B&W e quindi optare per una scelta lessicale ben ponderata.

    Tuttavia spesso il fotoamatore possiede solo un apparecchio digitale e quindi non può fotografare in B&W (oggi esiste solo la LEICA MONOCHROM come fotocamera digitale per il solo B&W), ma è costretto a convertire artificiosamente sempre e solo il colore in B&W. E questa è una seria limitazione culturale…

    Questa limitazione tende a mettere in crisi il caposaldo della fotografia B&W: “La grammatica dei valori tonali”.

    Comprendere in profondità la differenza tra il graduale dipanarsi di un’ombra verso la luce, come espressione di serena tranquillità e onirico oblio, oppure come il brusco calare dal nero al bianco stia a sottolineare il pathos, il dramma, il movimento violento (ma potremmo anche discutere del LOW KEY o del HIGH KEY, o di altre modalità espressive), esprimono le basi di una prerogativa espressiva irrinunciabile per trasferire sentimenti ed emozioni in un linguaggio astratto, ma psicologicamente codificato.

    In conclusione il fotografo che “sente il B&W” nascere nel suo profondo deve acquisire la capacità, non facile e tuttavia indispensabile, di vedere in B&W; di pre-visualizzare l’immagine nitidamente nella sua mente, così come dovrà apparire nella stampa finale e tutto prima dello scatto…

  • LE TETTE DI FACEBOOK, OVVERO LA STUPIDITÀ DELLA CENSURA IN FOTOGRAFIA.

    LE TETTE DI FACEBOOK, OVVERO LA STUPIDITÀ DELLA CENSURA IN FOTOGRAFIA.

    È di non molto tempo fa la doppia figuraccia che Facebook ha fatto censurando la famosa foto di Ut della bambina vietnamita, famosa icona della guerra del Vietnam.

    [image_lightbox title=”” full_img_url=”http://www.fotocultura.eu/blogw/wp-content/uploads/2017″]

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    Non contento, il social network, ha ripetuto la misera figura con la fotografia che ritraeva la famosissima statua del Nettuno collocata a Roma in piazza Navona.

    [image_lightbox title=”” full_img_url=”http://www.fotocultura.eu/blogw/wp-content/uploads/2017/01/88713589.jpg”]

    [/image_lightbox]

    Secondo il network erano troppo nude…

    Ora io mi chiedo se questo comportamento sia dettato da un puritanesimo patologico, da una perversa interpretazione delle religioni o se le motivazioni siano dettate dall’ignoranza più becera di persone che non hanno nemmeno conseguito la licenza dell’asilo infantile.

    Anch’io ho avuto una disavventura simile pubblicando un mio articolo sulla fotografia di Robert Mapplethorpe in cui in testata compariva questa fotografia:

    [image_lightbox title=”” full_img_url=”http://www.fotocultura.eu/blogw/wp-content/uploads/2016/10/a72a525e.jpg”]

    [/image_lightbox]

    Non oso pensare cosa farebbero con la fotografia della Venere di Botticelli, del David di Donatello, con le figure della Cappella Sistina, per non parlare delle fotografie di autori come Mapplethorpe (già fatto) o di Adriano Garĉia Alix o Newton o di Rong Rong.

    Ora io non credo che le motivazioni siano da ricercarsi in un classico puritanesimo tipico del Maine, anche se magari uno come Zuckerberg possa vantare ascendenti in quella cultura o essere nato lì (francamente non so dove sia nato, né mi interessa!).

    Altrettanto improbabile credo che le cause di tanto zelo risiedano nella paura di offendere certi credo religiosi. In tal caso su Facebook non dovremmo trovare immagini scabrose di gratuita violenza o pagine che inneggino al razzismo o al bullismo o, peggio ancora, dove trovino spazio commenti che inducano al suicidio o all’omicidio.

    Credo che immagini decisamente pornografiche, giustamente, non abbiano spazio in un social network: la degradazione della donna o dell’uomo a puro oggetto feticistico, privato di ogni sua dignità di persona e di essere pensante con capacità affettive, ritengo trovi tutti concordi in un corale rifiuto, senza essere bigotti.

    Allora non resta che la stupidità, che è una caratteristica propria delle persone ignoranti. E qui l’ignoranza è padrona, padrona di menti aliene dall’avere mai letto un libro, mai andate in un museo, mai visto un programma televisivo culturale (sempre che esistano…) e mai nemmeno andate oltre l’asilo infantile.

    Pensate che per riammettere la fotografia di Ut, ci sono voluti giorni e, se è vero quello che si dice, discussioni interminabili tra improbabili manager petocefali (non anencefali, proprio petocefali), il cui livello medio di capacità intellettive non può andare oltre un singolo, misero neurone decerebrato.

    Ma come si fa a gestire un social così ampio con una mentalità così retriva?

    Ecco, io non vorrei che magari vi siano state anche spinte o segnalazioni di persone assidue frequentatrici di questo network, che magari scrivono solo commenti da ignoranti insensati o che abbiano problemi di tipo prettamente psichiatrico, nel qual caso, fossi nei cani da guardia di nudo su Facebook, sicuramente cancellerei a vita costoro e non certo la fotografia con un nudo d’arte.

    Comunque sia, certamente la figuraccia stercoracea che hanno fatto, rimane come una macchia indelebile sulla serietà, il livello culturale e intelligenza di chi, da dietro le quinte, manovra le fila di Facebook.

  • TITOLO E DIDASCALIA IN FOTOGRAFIA

    Titolo e didascalia sono sostanzialmente la stessa cosa, tecnicamente vengono definiti come “ancoraggi” perché ancorano l’osservatore a una precisa metrica interpretativa della fotografia.
    La differenza risiede nel fatto che il titolo è di per sé una sintesi, mentre la didascalia è più discorsiva e consente al lettore di attingere maggiori informazioni. In questa ottica titolo e didascalia possono coesistere.
    Questa comunione di lingua e immagine, aiuta l’osservatore ad andare oltre la pura fruizione estetica della fotografia, consentendogli di cogliere significati più profondi legati all’aspetto connotativo dell’immagine e questa funzione apparentemente sembrerebbe dare ragione a Barthes quando, in un primo momento, parlava di fotografia come di messaggio senza codice.
    Questo connubio, a mio parere, ha una funzione sociale nella interpretazione della fotografia in quanto consente di colmare il gap culturale tra il fotografo e l’osservatore.
    Tante volte abbiamo sentito dire: “Una fotografia deve parlare da sola, altrimenti non è una buona fotografia!”
    Ora analizzando la frase notiamo immediatamente che si mette sullo stesso piano la fotografia e la parola, quindi fotografia come linguaggio che, in linea teorica, dovrebbe essere autoreferente.
    Tuttavia esistono fotografie in cui la componente connotativa per essere compresa, richiede un retroterra culturale di alto livello, che non è certamente appannaggio di tutti e, pertanto, la parte verbale è il veicolo dell’indessicabilità nascosta della fotografia.
    Facciamo un esempio pratico:

    [image_lightbox title=”” full_img_url=”http://www.fotocultura.eu/blogw/wp-content/uploads/2017/01/Schermata-2017-01-07-alle-14.52.57.jpg”]

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    Come si può chiaramente osservare le fotografie di Hiroshi Sugimoto ad un primo esame appaiono di una banalità unica, non solo, ma con la linea dell’orizzonte esattamente a metà del fotogramma, anche deprecabili da un punto di vista delle regole estetiche.
    Leggendo la sua didascalia, al contrario, noi siamo indirizzati verso una visione filosofica particolarmente complessa e articolata e quindi riusciamo ad attribuire alle sue fotografie significati molto più profondi e finalmente possiamo fruire della chiave interpretativa per riconoscere quell’aspetto connotativo che le eleva ad arte.
    Da qui la forza e l’utilità della didascalia che rendere socialmente fruibile una fotografia di alto valore, che verrebbe altrimenti ghettizzata da uno sbrigativo “brutta”, giudizio caratteristico di quella che Umberto Eco definiva “Massculture”.
    Tuttavia esistono anche distorsioni dei titoli e delle didascalie. Esse avvengono soprattutto quando sono scritte da persone diverse dal fotografo, per farne un utilizzo sociale fraudolento, come avviene – e spesso è avvenuto – da parte di alcuni organi di stampa.
    L’utilizzo funzionale ad una chiave di lettura ideologica e non interpretativa del vero aspetto contenutistico, significa quanto meno mistificare il messaggio connotativo e forzare l’osservatore verso una chiave di lettura non solo avulsa, ma spesso addirittura contraria al contenuto fotografico.
    Di esempi, a questo proposito, se ne trovano moltissimi e forse il più clamoroso è quello della rivista “L’Express” che nel dicembre del ‘56 pubblicò due volte lo stesso reportage sulla rivolta ungherese, accompagnandolo da didascalie diametralmente opposte, dove in un articolo sosteneva le ragioni degli invasori e nell’altro quella del popolo aggredito.
    L’esperimento voleva dimostrare come le fotografie da sole non abbiano la capacità di trasmettere correttamente un messaggio,
    Ora, di fronte a questo esempio, non possiamo che concordare sulle conclusioni, ma possiamo sottolineare come titolo e didascalia abbiano una funzione di intermediazione socio-culturale.
    Dobbiamo però anche prendere atto che esse hanno una loro validità solo e unicamente se scritte dal fotografo autore delle immagini, l’unico che possiede il codice corretto per la loro decriptazione, altrimenti essere divengono ostaggio di interpretazioni personali dell’osservatore e perdono completamente la loro funzione e il loro significato.

  • IL TEMPO E LA FOTOGRAFIA – RIFLESSIONI A RUOTA LIBERA

    IL TEMPO E LA FOTOGRAFIA – RIFLESSIONI A RUOTA LIBERA

    Il tempo è un’entità fisica che condiziona continuamente la nostra vita, ma del quale comprendiamo ben poco.

    La teoria della relatività ci insegna che tempo e spazio sono grandezze fisiche che non sono identiche in tutte le situazioni, ma sono legate alla velocità con cui ci si muove nell’universo. Tanto più ci si avvicina alla velocità della luce, tanto più il tempo rallenta e lo spazio si contrae, ma come mai succede un fenomeno così strano?

    La spiegazione è semplice. Supponiamo che due signori stiano viaggiando nello spazio, uno a 50.000 km/sec e l’altro a 200.000 km/sec. Teoricamente, sapendo che la velocità della luce è di 300.000 km/sec se il primo osservatore misurasse la velocità di un fotone che procede nella sua direzione dovrebbe misurare una sua velocità di 250.000 km/sec e, analogamente, l’altro osservatore dovrebbe misurare 100.000 km/sec. Ma non è così; entrambi rilevano una velocità di 300.000 km/sec, perché la velocità della luce è una costante.

    È quindi evidente che lo spazio/tempo deve ridursi e quindi se confrontiamo i due osservatori notiamo che per il secondo il tempo dovrà necessariamente trascorrere molto più lentamente che per il primo.

    Ma cosa può avere a che fare tutto questo con una fotografia?

    t_01

    Prima di tutto ci dice che una fotografia è sempre una bugia. Noi crediamo che lei sia la massima espressione di una realtà, ma essa non è in grado di esprimere altro che una media, nel tempo, degli accadimenti che si svolgono davanti all’obiettivo.

    Questo accade perché il tempo di esposizione è sempre e comunque una frazione di secondo o un suo multiplo. Per quanto breve sia il tempo di esposizione, esso non sarà mai il “tempo zero”, ossia il vero “presente”. Ogni fotografia è semplicemente il sovrapporsi di un continuo di tempo, per quanto breve esso sia, di quello che stiamo inquadrando.

    Sorge spontaneo chiedersi come mai, allora un soggetto in movimento a tempi brevi ci appare immobile, mentre a tempi lunghi si verifica il fenomeno del “mosso”, riferendoci a quanto esposto precedentemente tutto dovrebbe essere mosso, in fondo noi riprendiamo sempre un certo tempo, mai solo il tempo zero.

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    Bene, la spiegazione sta nel rapporto tra la velocità di movimento del soggetto ripreso e la rapidità dell’otturatore. Se il soggetto si muove molto più lentamente dell’otturatore, esso occuperà la stessa posizione per tutto il tempo in cui l’otturatore rimane aperto e quindi avremo la sensazione che esso apparirà nitido e con tutti i dettagli, come se fosse colto al tempo zero. Al contrario se la velocità di spostamento del soggetto è superiore alla velocità di apertura dell’otturatore, esso apparirà mosso.

    La prova che quanto affermo è una sacrosanta verità, la possiamo verificare scattando la fotografia ad un soggetto che è collocato davanti al finestrino su un treno in corsa. Il soggetto apparirà fermo, mentre il panorama all’esterno verrà mosso.

    Ma per quale motivo non è, né sarà mai, possibile scattare una fotografia che fermi veramente il presente, l’attimo reale, il tempo zero e cosa vedremmo in questa ipotetica fotografia?

    Non è possibile scattare una foto a tempo zero per il semplice motivo che l’otturatore dovrebbe raggiungere la velocità della luce, cosa assolutamente impossibile per le vigenti leggi della fisica. Tuttavia qualora fosse possibile non si impressionerebbe alcun sensore, nemmeno alcuna pellicola in quanto il tempo sarebbe fermo, cioè non vi sarebbe né un prima, né un dopo e quindi non avremmo alcuna immagine. Paradossi della fisica? Può darsi, ma la situazione è tanto paradossale quanto affascinante: lo spazio/tempo sarebbe così curvato come in un buco nero e qui, almeno per oggi, la fisica si ferma.

    t_02

    Quindi, tanto per rimanere nel nostro mondo percepito noi, andando a fotografare qualunque cosa, fotografiamo solo l’illusione del presente.

    Buona luce!